LAU RO + TOMÉ CAPA
Nascide em São Paulo e com base em Brighton, o artista Lau Ro apresenta o seu segundo álbum, Lau, e o primeiro pela Mexican Summer, uma coleção delicada e profundamente introspectiva de canções de psych-pop orquestral, nascidas do desconforto e da desorientação. Gravado e montado em momentos de energia, Lau é naturalmente cerebral, mas este período desafiante deu origem a uma música inesperadamente luminosa, compassiva e, acima de tudo, honesta, espiritualmente alinhada com a resiliência do mundo natural.
Pouco depois do lançamento de Cabana (Far Out Recordings, 2024), o primeiro trabalho a solo da cantora e compositora não-binárie, fora da banda Wax Machine, as suas crises crónicas de ciática evoluíram para uma forma debilitante de síndrome da coluna plana, deixando-a incapaz de se manter de pé ou dormir e imersa, entre outros medicamentos, numa névoa de opióides durante mais de um ano. “A dor chega a todos nós de uma forma ou de outra, mas somos nós que escolhemos se a deixamos endurecer-nos ou se permitimos que nos torne mais suaves”, afirma Ro, que escolheu triunfantemente a segunda opção, impregnando essa suavidade com um amor duradouro pela bossa nova, a tropicália e a música popular brasileira.
Em Lau, Ro dá continuidade à exploração sonora iniciada em Cabana, mergulhando nas suas raízes brasileiras e na rica história cultural do país, entre o folk, o rock e o jazz, com uma abordagem marcadamente contemporânea e artesanal, feita em casa. Com uma capacidade de fazer passar diferentes legados pelo seu próprio prisma, cantando tanto em inglês como em português, Ro inspirou-se também na experiência de tocar percussão na digressão europeia de Jessica Pratt para Here in the Pitch. “Foi tão refrescante testemunhar em primeira mão como grandes grupos de pessoas conseguem estar sentados em silêncio num espaço e partilhar a experiência de mergulhar numa energia tão introspectiva e sensível.”
Enquanto Cabana procurava uma utopia imaginada, Lau expande-se tanto para fora como para dentro, acolhendo visões surrealistas, confrontos com o próprio eu e escavações terapêuticas da alma. Ao falar sobre a intenção da sua prática, Ro cita álbuns com “a vontade de se desmascarar”, como Clube da Esquina, de Milton Nascimento e Lô Borges, e a abordagem holística da natureza na criação de ecossistemas biodiversos, como a Mata Atlântica, a floresta tropical que se estende ao longo da costa atlântica do Brasil. “Há espaço para todas as suas manifestações cumprirem o seu papel, e o resultado é de uma beleza extraordinária.”
Apesar da dor constante, da sedação e do isolamento, Ro percebeu que a única saída era atravessar tudo isso: encontrar e preservar essa beleza. As suas limitações físicas tornaram-se parâmetros fixos para a gravação, primeiro na garagem da mãe e, mais tarde, num apartamento arrendado em Brighton. Em vez de gravações completas, Ro captou camadas improvisadas num gravador de cassetes de 4 pistas e, posteriormente, desenvolveu as faixas numa DAW, conferindo ao trabalho uma dimensão altamente textural e tridimensional. “Senti-me atraíde por esta abordagem porque me permitia plantar as sementes de cada peça de forma bastante intuitiva, longe de ecrãs e grelhas. Estava a tomar a decisão consciente de abraçar a imperfeição.”
As canções, varridas pelo vento, estão repletas de detalhe, entrelaçando arranjos de cordas de Finn Rees (adicionados no Baltic Studio, em Londres) em torno das inúmeras camadas de Ro — voz, guitarra, baixo, bateria, percussão, teclados, entre outras. A capa do álbum, em tons de azul-ciano, derivada da técnica de cianotipia, reflete tanto o som como os episódios de disforia de Ro, intensificados pelas alterações na coluna resultantes de contrações prolongadas. “Fazer um álbum parece trazer sempre consigo uma desconstrução completa da minha identidade... o trabalho leva-me a olhar para mim mesme a tal ponto que já não reconheço quem estou a ver. Comprometo-me a abraçar tudo o que emerge desse estado indiferenciado.”
A música fala de multiplicidade: da forma como os nossos corpos contêm inúmeras células e sistemas que contribuem não só para o nosso ser vivo, mas também para o planeta e o universo. “Cada faixa é um veículo para diferentes partes da minha psique, algumas das quais podem, e muitas vezes entram em, contradição umas com as outras”, explica. “É, de certa forma, uma meditação sobre a ideia de que o meu corpo e a minha mente não são propriedade privada de um grande chefe que vive na minha cabeça. Pertencem naturalmente, de forma coletiva, a todos os aspetos vivos do meu ser, que se estendem muito para além deste corpo individual.”
Entre agradáveis e pungentes momentos instrumentais (“Tecelagem”, “Mito do Fim 2”, “Corn Moon”), as letras giram em torno do subconsciente e da autoaceitação. Sobre as leves frases de piano e a percussão de “Mito do Fim” (tradução: “Mito do Fim”), Ro pergunta: “Como é que deixa de sonhar?” Em “O Nó”, compara o passado a um nó enterrado profundamente no seu corpo, elevado por floreados de violino e violoncelo, enquanto as palavras esperançosas, os acordes e as teclas de Ro chegam lentamente ao primeiro plano, com um toque de melancolia e fantasia.
Lau é o som de uma artista jovem a encontrar tranquilidade no meio de uma provação existencial; Ro descreve-o como “um diário pessoal de alguém que se sente um estranho neste mundo”. Em “Um A Mais”, de olhar lúcido, canta: “Já fiz as pazes / Com o ser / E não ser mais”, deixando no ouvinte a sensação de que as preocupações terrenas e ligadas ao corpo não passam de um momento fugaz dentro de um enquadramento muito maior.
Pouco depois do lançamento de Cabana (Far Out Recordings, 2024), o primeiro trabalho a solo da cantora e compositora não-binárie, fora da banda Wax Machine, as suas crises crónicas de ciática evoluíram para uma forma debilitante de síndrome da coluna plana, deixando-a incapaz de se manter de pé ou dormir e imersa, entre outros medicamentos, numa névoa de opióides durante mais de um ano. “A dor chega a todos nós de uma forma ou de outra, mas somos nós que escolhemos se a deixamos endurecer-nos ou se permitimos que nos torne mais suaves”, afirma Ro, que escolheu triunfantemente a segunda opção, impregnando essa suavidade com um amor duradouro pela bossa nova, a tropicália e a música popular brasileira.
Em Lau, Ro dá continuidade à exploração sonora iniciada em Cabana, mergulhando nas suas raízes brasileiras e na rica história cultural do país, entre o folk, o rock e o jazz, com uma abordagem marcadamente contemporânea e artesanal, feita em casa. Com uma capacidade de fazer passar diferentes legados pelo seu próprio prisma, cantando tanto em inglês como em português, Ro inspirou-se também na experiência de tocar percussão na digressão europeia de Jessica Pratt para Here in the Pitch. “Foi tão refrescante testemunhar em primeira mão como grandes grupos de pessoas conseguem estar sentados em silêncio num espaço e partilhar a experiência de mergulhar numa energia tão introspectiva e sensível.”
Enquanto Cabana procurava uma utopia imaginada, Lau expande-se tanto para fora como para dentro, acolhendo visões surrealistas, confrontos com o próprio eu e escavações terapêuticas da alma. Ao falar sobre a intenção da sua prática, Ro cita álbuns com “a vontade de se desmascarar”, como Clube da Esquina, de Milton Nascimento e Lô Borges, e a abordagem holística da natureza na criação de ecossistemas biodiversos, como a Mata Atlântica, a floresta tropical que se estende ao longo da costa atlântica do Brasil. “Há espaço para todas as suas manifestações cumprirem o seu papel, e o resultado é de uma beleza extraordinária.”
Apesar da dor constante, da sedação e do isolamento, Ro percebeu que a única saída era atravessar tudo isso: encontrar e preservar essa beleza. As suas limitações físicas tornaram-se parâmetros fixos para a gravação, primeiro na garagem da mãe e, mais tarde, num apartamento arrendado em Brighton. Em vez de gravações completas, Ro captou camadas improvisadas num gravador de cassetes de 4 pistas e, posteriormente, desenvolveu as faixas numa DAW, conferindo ao trabalho uma dimensão altamente textural e tridimensional. “Senti-me atraíde por esta abordagem porque me permitia plantar as sementes de cada peça de forma bastante intuitiva, longe de ecrãs e grelhas. Estava a tomar a decisão consciente de abraçar a imperfeição.”
As canções, varridas pelo vento, estão repletas de detalhe, entrelaçando arranjos de cordas de Finn Rees (adicionados no Baltic Studio, em Londres) em torno das inúmeras camadas de Ro — voz, guitarra, baixo, bateria, percussão, teclados, entre outras. A capa do álbum, em tons de azul-ciano, derivada da técnica de cianotipia, reflete tanto o som como os episódios de disforia de Ro, intensificados pelas alterações na coluna resultantes de contrações prolongadas. “Fazer um álbum parece trazer sempre consigo uma desconstrução completa da minha identidade... o trabalho leva-me a olhar para mim mesme a tal ponto que já não reconheço quem estou a ver. Comprometo-me a abraçar tudo o que emerge desse estado indiferenciado.”
A música fala de multiplicidade: da forma como os nossos corpos contêm inúmeras células e sistemas que contribuem não só para o nosso ser vivo, mas também para o planeta e o universo. “Cada faixa é um veículo para diferentes partes da minha psique, algumas das quais podem, e muitas vezes entram em, contradição umas com as outras”, explica. “É, de certa forma, uma meditação sobre a ideia de que o meu corpo e a minha mente não são propriedade privada de um grande chefe que vive na minha cabeça. Pertencem naturalmente, de forma coletiva, a todos os aspetos vivos do meu ser, que se estendem muito para além deste corpo individual.”
Entre agradáveis e pungentes momentos instrumentais (“Tecelagem”, “Mito do Fim 2”, “Corn Moon”), as letras giram em torno do subconsciente e da autoaceitação. Sobre as leves frases de piano e a percussão de “Mito do Fim” (tradução: “Mito do Fim”), Ro pergunta: “Como é que deixa de sonhar?” Em “O Nó”, compara o passado a um nó enterrado profundamente no seu corpo, elevado por floreados de violino e violoncelo, enquanto as palavras esperançosas, os acordes e as teclas de Ro chegam lentamente ao primeiro plano, com um toque de melancolia e fantasia.
Lau é o som de uma artista jovem a encontrar tranquilidade no meio de uma provação existencial; Ro descreve-o como “um diário pessoal de alguém que se sente um estranho neste mundo”. Em “Um A Mais”, de olhar lúcido, canta: “Já fiz as pazes / Com o ser / E não ser mais”, deixando no ouvinte a sensação de que as preocupações terrenas e ligadas ao corpo não passam de um momento fugaz dentro de um enquadramento muito maior.